17m2 is a project space in Salvadors 22
NORMAS AMBIGUAS · Vicente del Pedregal Un proyecto comisariado por Gerard Borras
Un hombre filmó a su hija con la cámara VHS de su trabajo, la Forestal Arauco, en Chile. Pocos años después, grabó un reportaje de televisión sobre el Golpe de Estado de 1973, en esa misma cinta. Esos montajes casuales aparecieron en el visionado de otras 64 cintas de VHS, con memorias familiares, forestales y televisivas provenientes de una colección familiar chilena.
Las cintas de la colección corresponden al sistema de normas de televisión analógica NTSC, que es incompatible al sistema PAL, que se usa en España.
La ambigüedad de la señal analógica que resulta de esta sobrescritura de imágenes es interpretada de forma distinta por cada televisor y reproductor, convirtiéndola impreservable e inarchivable.
‘Normas ambiguas’ surge a partir de un proceso de migración, adaptación e incompatibilidad; humana y tecnológica.
La cinta nunca se reproducirá de la misma forma e incluso irá deteriorándose en cada reproducción por el desgaste. Además, muchas de las imágenes ya presentaban un deterioro producto de el uso y de las condiciones de conservación doméstica.
Esta videoinstalación reproduce una señal analógica que vacila entre las normas NTSC y PAL, discursando en torno a la incapacidad física y la obsolescencia de las imágenes pero también de la memoria.
Las cintas que más quisimos ver son los recuerdos más deteriorados.
EN LA NOCHE DICHOSA · José Luis Valverde
EN LA NOCHE DICHOSA
VICTOR HUGO - ¿Quién está ahí?
- Jesucristo
- ¿Quieres hablarnos de ti o quieres que te hagamos preguntas?
Si quieres que te hagamos preguntas, golpea una vez.
(La mesa golpea una vez)
Si en lugar de la mesa, tuviera que golpear un cuadro, no sabríamos muy bien quien se representaría o que ente aparecería para hablarnos de su sepulcro, de lo que sí estoy seguro es que sus manos acabarían manchadas de la piel oleosa del negro marfil y el azul de Prusia. Hablamos de una pintura cárnica convertida en herida donde la imagen se presenta a través del relato del tiempo, un factor predominante y necesario que articula el descenso de la carne al hueso y después al barro. Las referencias dominadas por fantasmas atienden a la necesidad de traer de vuelta (como Victor Hugo ya hizo en sus conversaciones con espíritus en la isla de Jersey) a esas apariciones con verdades de otras épocas: James Enser, Francisco de Goya, Murillo, Odilón Redón o Louis Michel Eilshemius conforman los espectros referenciales de este proyecto donde la pintura se convierte de nuevo en un medio casi ectoplasmático gracias, por supuesto, al liquin y a las vanitas.
Todo fantasma reclama una imagen a la que rezar. Reivindicar una -co- existencia, a través de la representación. El cuadro se convierte por lo tanto en un artefacto votivo donde el peregrino (espectador) asume un papel pasivo y compasivo, rehén del acontecimiento y del encuentro. A veces, tan efímero como las secuencias del Kusozu y sus desgraciados protagonistas. O el Cristo crucificado de Murillo y su perenne vigilia dentro de esa noche a la que San Juan de la Cruz definió como la más oscura. La presencia de estas miniaturas ficcionan una realidad dolorida y fabulada, cuya potencia radica además en la búsqueda de un extrañamiento. Podemos por lo tanto invocar el pie junto al precipicio de Antoine Roquentin en La nausea y su terrible encuentro con la raíz del castaño y su estar siendo , y ¿por qué no?, a Albert York y a su esqueleto tras el espejo naturalizado en su pintura Woman and Skeleton. Todas estas referencias, excavadas y sustraídas del devenir de la historia del arte nos alertan con multitud de aguijones del carácter hipertextual de las pinturas que se mostrarán en el espacio 17m2.
José Luis Valverde (Málaga, 1987) es graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada - Memoria de Andalucía (Granada, 2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Studio - Griffin Gallery (Londres, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2o17) o Espacio Iniciarte - El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en un proyecto conjunto para ABC Cultural (2018) o en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales (2018), la Beca Colart - The Fine Art Collective (Londres, 2017), entre otros. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga, Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras.
...
If instead of a table, he had to hit a painting, we wouldn't know exactly what it would represent or which being would appear to talk to us about its sepulchre, but what I'm sure about is that its hands would end up stained by the black ivory oily skin and Prussia's blue. We are talking about a meaty painting turned into a scar where the image is introduced through the time tale, a main and necessary factor that articulates the meat descent into bones and later into mud. The references handled by ghosts respond to the necessity of bringing back (like Victor Hugo already did in his conversations with spirits in Jersey island) to those appaerances which brought truths from other times: James Ensor, Francisco de Goya, Murillo, Odilón Redón o Louis Michel Eilshemius define this project's referential spectrums where the painting transforms itself again into an almost ghostly way thanks to, obviously, the liquin and the vanitas.
Each ghost reclaims an image to pray to. To reivindicate a co-existence, through a representation. This painting then converts itself into a votive tool where the pilgrim (the spectator) accepts a passive and compassive role, hostage of the occurence and of its encounter. Sometimes, as efimerous as the sequences from the Kusozu and its poor starring roles. Or Murillo's Cristo crucificado and its continuous vigil into that night which San Juan de la Cruz defined as the darkest one. The presence of these miniatures create a painful and fabulate reality, which power resides in the searching of an exile. Then we can invoke Antoine Roquentin's foot next to the cliff in La náusea and its terrible encounter with the brown's root and its to be being, and why not? Albert York and its squeleton behind the mirror naturalized in his painting Woman and Skeleton. All these references, digged out and extracted from art history warns us about the hypertextual character that define the paintings that will be shown in the gallery's 17m2 space.
José Luis Valverde (Málaga, 1987) is licensed in Fine Arts with a Master's degree in Interdisciplinary Artistic Production by the Universidad de Málaga, where he is currently conducting his doctoral investigation. He has carried out individual exhibitions in Centro Cultural CajaGranada - Memoria de Andalucía (Granada, 2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Seville, 2019), Open Studio - Griffin Gallery (London, 2016), among others. Also, he has participated in many collective exhibitions in places such as Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) or Espacio Iniciarte - El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, in a joint project for ABC Cultural (2018) or in Getxoarte (2017), among many more. His work has been recognized by the MálagaCrea Artes Visuales (2018) first prize, la Beca Colart - The Fine Art Collective (London, 2017) , among others. His work belongs on different collections, like the ones from Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga, Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, among others.
VICTOR HUGO - ¿Quién está ahí?
- Jesucristo
- ¿Quieres hablarnos de ti o quieres que te hagamos preguntas?
Si quieres que te hagamos preguntas, golpea una vez.
(La mesa golpea una vez)
Si en lugar de la mesa, tuviera que golpear un cuadro, no sabríamos muy bien quien se representaría o que ente aparecería para hablarnos de su sepulcro, de lo que sí estoy seguro es que sus manos acabarían manchadas de la piel oleosa del negro marfil y el azul de Prusia. Hablamos de una pintura cárnica convertida en herida donde la imagen se presenta a través del relato del tiempo, un factor predominante y necesario que articula el descenso de la carne al hueso y después al barro. Las referencias dominadas por fantasmas atienden a la necesidad de traer de vuelta (como Victor Hugo ya hizo en sus conversaciones con espíritus en la isla de Jersey) a esas apariciones con verdades de otras épocas: James Enser, Francisco de Goya, Murillo, Odilón Redón o Louis Michel Eilshemius conforman los espectros referenciales de este proyecto donde la pintura se convierte de nuevo en un medio casi ectoplasmático gracias, por supuesto, al liquin y a las vanitas.
Todo fantasma reclama una imagen a la que rezar. Reivindicar una -co- existencia, a través de la representación. El cuadro se convierte por lo tanto en un artefacto votivo donde el peregrino (espectador) asume un papel pasivo y compasivo, rehén del acontecimiento y del encuentro. A veces, tan efímero como las secuencias del Kusozu y sus desgraciados protagonistas. O el Cristo crucificado de Murillo y su perenne vigilia dentro de esa noche a la que San Juan de la Cruz definió como la más oscura. La presencia de estas miniaturas ficcionan una realidad dolorida y fabulada, cuya potencia radica además en la búsqueda de un extrañamiento. Podemos por lo tanto invocar el pie junto al precipicio de Antoine Roquentin en La nausea y su terrible encuentro con la raíz del castaño y su estar siendo , y ¿por qué no?, a Albert York y a su esqueleto tras el espejo naturalizado en su pintura Woman and Skeleton. Todas estas referencias, excavadas y sustraídas del devenir de la historia del arte nos alertan con multitud de aguijones del carácter hipertextual de las pinturas que se mostrarán en el espacio 17m2.
José Luis Valverde (Málaga, 1987) es graduado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística Interdisciplinar por la Universidad de Málaga, donde actualmente realiza su investigación doctoral. Ha realizado exposiciones individuales en Centro Cultural CajaGranada - Memoria de Andalucía (Granada, 2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Sevilla, 2019), Open Studio - Griffin Gallery (Londres, 2016), entre otras. Además, ha participado en numerosas colectivas en ámbitos como Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2o17) o Espacio Iniciarte - El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, en un proyecto conjunto para ABC Cultural (2018) o en Getxoarte (2017), entre otras muchas. Su obra ha sido reconocida con el primer premio MálagaCrea Artes Visuales (2018), la Beca Colart - The Fine Art Collective (Londres, 2017), entre otros. Su trabajo forma parte de las colecciones Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga, Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, entre otras.
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If instead of a table, he had to hit a painting, we wouldn't know exactly what it would represent or which being would appear to talk to us about its sepulchre, but what I'm sure about is that its hands would end up stained by the black ivory oily skin and Prussia's blue. We are talking about a meaty painting turned into a scar where the image is introduced through the time tale, a main and necessary factor that articulates the meat descent into bones and later into mud. The references handled by ghosts respond to the necessity of bringing back (like Victor Hugo already did in his conversations with spirits in Jersey island) to those appaerances which brought truths from other times: James Ensor, Francisco de Goya, Murillo, Odilón Redón o Louis Michel Eilshemius define this project's referential spectrums where the painting transforms itself again into an almost ghostly way thanks to, obviously, the liquin and the vanitas.
Each ghost reclaims an image to pray to. To reivindicate a co-existence, through a representation. This painting then converts itself into a votive tool where the pilgrim (the spectator) accepts a passive and compassive role, hostage of the occurence and of its encounter. Sometimes, as efimerous as the sequences from the Kusozu and its poor starring roles. Or Murillo's Cristo crucificado and its continuous vigil into that night which San Juan de la Cruz defined as the darkest one. The presence of these miniatures create a painful and fabulate reality, which power resides in the searching of an exile. Then we can invoke Antoine Roquentin's foot next to the cliff in La náusea and its terrible encounter with the brown's root and its to be being, and why not? Albert York and its squeleton behind the mirror naturalized in his painting Woman and Skeleton. All these references, digged out and extracted from art history warns us about the hypertextual character that define the paintings that will be shown in the gallery's 17m2 space.
José Luis Valverde (Málaga, 1987) is licensed in Fine Arts with a Master's degree in Interdisciplinary Artistic Production by the Universidad de Málaga, where he is currently conducting his doctoral investigation. He has carried out individual exhibitions in Centro Cultural CajaGranada - Memoria de Andalucía (Granada, 2020), Sala de Exposiciones del Convento de Santa Inés (Beca Iniciarte, Seville, 2019), Open Studio - Griffin Gallery (London, 2016), among others. Also, he has participated in many collective exhibitions in places such as Centre del Carme Cultura Contemporània (Valencia, 2017) or Espacio Iniciarte - El Palmeral de las Sorpresas (Málaga, 2014), ARCO Madrid, in a joint project for ABC Cultural (2018) or in Getxoarte (2017), among many more. His work has been recognized by the MálagaCrea Artes Visuales (2018) first prize, la Beca Colart - The Fine Art Collective (London, 2017) , among others. His work belongs on different collections, like the ones from Fundación Canaria para el Desarrollo de la Pintura, CACMálaga, Fundación Benetton, Universidad de Málaga o Ayuntamiento de Málaga, among others.
SLICK FLUX · Duncan Gibbs
Slick Flux
El polvo se compone de pequeñas colecciones infinitesimales. Copos de piel descienden hacia los estratos de la luz solar. Migas. Pelo. Microfragmentos de plásticos. El polvo es el estrato antes de que el proceso de entropía se deslice hacia lo imperceptible.
Aquí, los organismos prosperan, los ácaros del polvo regurgitan los desechos en microdosis de energía. Los agentes de la biosfera sombra persisten, instigando nuevos crecimientos.
El estudio es un desagüe; los fragmentos de obras de arte, esculturas abandonadas y prototipos fallidos se reúnen y se coagulan en un lodo primordial, comenzando a reformarse.
El polvo se compone de pequeñas colecciones infinitesimales. Copos de piel descienden hacia los estratos de la luz solar. Migas. Pelo. Microfragmentos de plásticos. El polvo es el estrato antes de que el proceso de entropía se deslice hacia lo imperceptible.
Aquí, los organismos prosperan, los ácaros del polvo regurgitan los desechos en microdosis de energía. Los agentes de la biosfera sombra persisten, instigando nuevos crecimientos.
El estudio es un desagüe; los fragmentos de obras de arte, esculturas abandonadas y prototipos fallidos se reúnen y se coagulan en un lodo primordial, comenzando a reformarse.
NAG CHAMPA · Genís de Diego
INSTANT
Camino pel pendent d’un turó verd.
Hi ha gespa, entre la gespa, flors,
com en un dibuix per a infants.
El cel boirós ja es torna blau.
Una vista sobre altres turons ressona en silenci.
Com si aquí no hi hagués hagut cambrià, silurià,
o roques que grunyissin les unes a les altres,
o abismes que es formessin creixent,
o nits en flames de cap mena
ni dies en cúmuls de foscor.
Com si no s’haguessin mogut per aquí les planes
en deliris febrils,
en esgarrifances glaçades.
Com si només en altres llocs s’haguessin estat
agitant els mars rompent les vores de l’horitzó.
Són dos quarts de deu en l’hora local.
Tot és al seu lloc, en harmonia acordada.
A la vall hi ha un rierol en forma de rierol,
una senda, com una senda, de sempre per sempre.
El bosc sota l’aspecte d’un bosc pels segles dels segles amén,
i a dalt uns ocells volen en el seu paper d’ocells que volen.
Miris on miris, hi regna l'instant.
Un d'aquells terrenals instants
que s'imoplora que durin.
Wisława Szymborska
Traducció de Joanna Bielak
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Genís de Diego. Barcelona 1988.
Finalitza el Cicle de Grau Superior en Il·lustració (2010) a l'escola Serra i Abella (l'Hospitalet de Llobregat). Es gradua en Belles Arts (2016)
a la Universitat de Barcelona on cursa també el Màster en Formació del Professorat de Dibuix (2017).
Centrat en l'experimentació dels llenguatges pictòrics, revisita plantejaments de la tradició i defineix un lloc propi des d'on mostrar, lluny d'axiomes estilístics, una mirada subjectiva sobre el context que habitem. El seu treball constitueix un conjunt eclèctic que accepta caure en contradicció, posant a un mateix nivell el que és decadent, banal o bell.
L'any 2014 participa de l'exposició col·lectiva "Inside, insight, in site" a la Islington Arts Factory (Londres). El 2015 realitza una residència de 6 meses a NauEstruch (Sabadell). El 2016 realiza la seva primera exposició individual "Punxes, forats, malparits i drapeaus" a la galería Sis (Sabadell). Des del 2017 fins a l'actualitat forma part de l'equip docent de l'Escola d'Art Llotja (Barcelona). Durant 2017 i 2018 codirigeix l'espai expositiu Patara (Barcelona). Actualment resideix i treballa a Barcelona.
INEMURI · Eva Murgui
INEMURI
La primera vez que vi a una persona dormir delante de una olla hirviente de fideos fue en Tailandia. El hombre hacía un “descanso activo”
en su puesto de trabajo, el mercado libre. Imaginé que estaría aplicando la popular técnica de Dalí, conocida como “la siesta de la cuchara”,
para luego rendir mejor. En japonés, existe hasta un término, inemuri, que hace referencia a la costumbre de dormitar en el trabajo. En otros países, hacerlo es causa de despido.
Reconozco que envidio esa tranquilidad del poder desconectar, de evadir cierta responsabilidad sin preocuparse por la incomodidad
que pueda causar...y me planteo si la mayoría de mujeres pueden a su vez llegar a plantearse esa pausa y disfrutarla sin complejos.
La posición de hombres y mujeres en el mercado laboral funciona como hilo conductor para leer el lugar de unas y otros; para descifrar las relaciones y lógicas de género en la familia y la sociedad, en todas las sociedades contemporáneas, y cómo esas lógicas compensan otras.
Las miradas románticas y colectivas suelen cruzarse en nuestros viajes, como otra forma de desconexión. Este acercamiento a otras realidades
es permitirme esa pausa para comprender mi propia realidad.
Eva Murgui (Cornellà, 1983) es licenciada en Periodismo (UAB) con un máster en Reporterismo (Universitat Ramón Llull), y trabaja en realización
y producción cinematográfica. Su interés se centra en documentar la vida cotidiana en ciudades y especialmente en sus periferias, con la intención
de dignificar las singularidades de estos lugares y reivindicar a las mujeres y sus historias como protagonistas. En 2020 coproduce La vella lluita
y este 2021 como productora asociada estrena el largometraje Chavalas.
...
It was in Thailand, the very first time when I saw a person sleeping in front of the boiling pot of noodles. This man took an active rest in his workplace which was a free market. I imagined that I would apply Dali’s popular technique, known as the ‘’nap of the spoon’’ in order to perform better at work later. In Japanese there exists a term Inemuri, which refers to the habit of dozing at work. In other countries, doing so is a cause for a dismissal.
I admit that I envy that tranquility of being able to disconnect, to evade certain responsibility without worrying about the discomfort it may cause.. and I wonder if the majority of women can consider the pause and enjoy it without complexes.
The position of men and women in the labor market function as a common thread to the place of one and another, to decrypt gender relations
and logics of the family and the society, in all contemporary societies, and how these logicas compensate for others.
The romantic and collective gazes often cross each other in our journeys, just like other forms of disconnection. This approach to other realities allows myself to take a pause and to understand my own reality.
Eva Murgui (Cornellà, 1983) is a licensed Journalist (UAB) with a master degree in Reporting (Universitat Ramón Llull) and works in filmmaking and production. Her interests are focused on documenting daily life in the cities and especially at the peripheries with an intention of dignifying singularities of these places and claiming the stories of women showing them as protagonists. In 2020 she co-produced La vella lluita and in 2021
as an associate producer she premiered the future film Chavalas.
20 VINGUT · Jaume Clotet
La exposición 20vingut es la continuación de INTEGRAL (La Capella, 2019), una muestra performativa que se desarrolló durante un único día dentro del marco de Art Nou 2019 (Barcelona) y en la cual Jaume Clotet presentaba varios happenings que funcionaban como terapia personal para burlarse de la idea de exposición artística autorreferencial.
Tras un año de digestión y confinamiento, la exposición 20vingut reconfigura ciertos elementos de INTEGRAL reformulados en tres piezas: "Dibuixets 1994-2020" : una serie de composiciones con dibujos realizados a lo largo de la vida del artista, todos a 20€; “Integral”: un díptico de corcho con galletas integrales; y “Late Jau Show”: un vídeo collage que parodia el bloqueo de la práctica performativa que ha padecido el artista durante la situación de pandemia del 2020. Proyecto realizado con la ayuda de Javi de la Llave, Albert Sánchez, Alicia Garrido, Lucas Mathias, Júlia Puig y Lola Errando. Con el apoyo de Gracias por su visita y etHALL.
Jaume Clotet (Barcelona, 1994) graduado en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Ha realizado diversas exposiciones individuales como “20vingut” (etHALL project space, 2020), “INTEGRAL” (La Capella, 2019), “Wifi Leaves” (Rad’Art, 2017) y “Neo- Groupie” (Galeria SiS, 2015). Entre sus muestras colectivas destacan “Appearances” (Upstream Gallery, 2020), “Tots els llocs parlen de tu” (Sala d’art jove, 2018), “Puertas Abiertas BilbaoArte” (Fundación BilbaoArte, 2017), “Sistemas de (auto)referencia (EtHALL, 2017), “Enésima Intempestiva” (Galeria àngels barcelona, 2016) y “La Gran Il·lusió” (Sala d’art jove, 2015). Desde el 2018 comisaría la cuenta de Instagram “@boombboring”, una recopilación de vídeos ingeniosos y divertidos de diferentes usuarios. A partir del 2019 gestiona el evento de comedia alternativa “Cabaret Internet”, con cinco sesiones realizadas en salas de Barcelona (Abaixadors10, Sala VOL y El Pumarejo).
Ha realizado proyectos en residencias como La Infinita (L’Hospitalet, 2020), Fundación Rad’Art (Italia, 2017) y Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2017). Actualmente vive y trabaja en Barcelona.
...
The "20vingut" exhibition is the continuation of "INTEGRAL" (La Capella, 2019), a performative showing which was carried out one day only during Art Nou 2019 (Barcelona) on which Jaume Clotet showed some happenings that functioned as a personal therapy to make fun of the idea of a self-referential artistic exhibition.
After a whole year of lockdown, the "20vingut" exhibition puts together again some elements that belonged in "INTEGRAL" and formulates them again in three different pieces: "Dibuixets 1994-2020" , a composition series with drawings that where made over the artist's life, all of them with the price of 20€ ; "Integral" a dyptych made out of cork with whole grain cookies; and "Late Jau Show": a video collage that is a parody of the blocking of performative practice that has suffered the artist during the pandemic situation that took place in 2020. This project was conducted with the help of Javi de la Llave, Albert Sánchez, Alicia Garrido, Lucas Mathias, Júlia Puig and Lola Errando. With the support of Gracias por su visita and etHALL.
Jaume Clotet (Barcelona, 1994) is licensed in Fine Arts by the Universidad de Barcelona. He has carried out different individual exhibitions such as "20vingut" (etHALL project space, 2020), "INTEGRAL" (La Capella, 2019), "Wifi Leaves" (Rad'Art, 2017) and "Neo-Groupie" (Galería SiS, 2015). Among his collective showings, the ones that stood out the most are "Appearances" (Upstream Gallery, 2020), "Tots els llocs parlen de tu" (Sala d'art jove, 2018), "Puertas Abiertas BilbaoArte" (Fundación BilbaoArte, 2017), "Sistemas de (auto)referencia" (etHALL, 2017), "Enésima Intempestiva" (Galeria àngels barcelona, 2016) and "La gran il·lusió" (Sala d'art jove, 2015). Since 2018, he owns the Instagram account "@boombboring", a collection of witty and fun videos from different users. Since 2019, he manages an alternative comedy event called "Cabaret Internet", that consists of five sessions that take place in different Barcelona venues (Abaixadors10, Sala VOL and El Pumarejo).
He has carried out different projects in different residences, such as La Infinita (l'Hospitalet, 2020), Fundación Rad'Art (Italy, 2017) and Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2017). He is currently living and working in Barcelona.
Tras un año de digestión y confinamiento, la exposición 20vingut reconfigura ciertos elementos de INTEGRAL reformulados en tres piezas: "Dibuixets 1994-2020" : una serie de composiciones con dibujos realizados a lo largo de la vida del artista, todos a 20€; “Integral”: un díptico de corcho con galletas integrales; y “Late Jau Show”: un vídeo collage que parodia el bloqueo de la práctica performativa que ha padecido el artista durante la situación de pandemia del 2020. Proyecto realizado con la ayuda de Javi de la Llave, Albert Sánchez, Alicia Garrido, Lucas Mathias, Júlia Puig y Lola Errando. Con el apoyo de Gracias por su visita y etHALL.
Jaume Clotet (Barcelona, 1994) graduado en Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Ha realizado diversas exposiciones individuales como “20vingut” (etHALL project space, 2020), “INTEGRAL” (La Capella, 2019), “Wifi Leaves” (Rad’Art, 2017) y “Neo- Groupie” (Galeria SiS, 2015). Entre sus muestras colectivas destacan “Appearances” (Upstream Gallery, 2020), “Tots els llocs parlen de tu” (Sala d’art jove, 2018), “Puertas Abiertas BilbaoArte” (Fundación BilbaoArte, 2017), “Sistemas de (auto)referencia (EtHALL, 2017), “Enésima Intempestiva” (Galeria àngels barcelona, 2016) y “La Gran Il·lusió” (Sala d’art jove, 2015). Desde el 2018 comisaría la cuenta de Instagram “@boombboring”, una recopilación de vídeos ingeniosos y divertidos de diferentes usuarios. A partir del 2019 gestiona el evento de comedia alternativa “Cabaret Internet”, con cinco sesiones realizadas en salas de Barcelona (Abaixadors10, Sala VOL y El Pumarejo).
Ha realizado proyectos en residencias como La Infinita (L’Hospitalet, 2020), Fundación Rad’Art (Italia, 2017) y Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2017). Actualmente vive y trabaja en Barcelona.
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The "20vingut" exhibition is the continuation of "INTEGRAL" (La Capella, 2019), a performative showing which was carried out one day only during Art Nou 2019 (Barcelona) on which Jaume Clotet showed some happenings that functioned as a personal therapy to make fun of the idea of a self-referential artistic exhibition.
After a whole year of lockdown, the "20vingut" exhibition puts together again some elements that belonged in "INTEGRAL" and formulates them again in three different pieces: "Dibuixets 1994-2020" , a composition series with drawings that where made over the artist's life, all of them with the price of 20€ ; "Integral" a dyptych made out of cork with whole grain cookies; and "Late Jau Show": a video collage that is a parody of the blocking of performative practice that has suffered the artist during the pandemic situation that took place in 2020. This project was conducted with the help of Javi de la Llave, Albert Sánchez, Alicia Garrido, Lucas Mathias, Júlia Puig and Lola Errando. With the support of Gracias por su visita and etHALL.
Jaume Clotet (Barcelona, 1994) is licensed in Fine Arts by the Universidad de Barcelona. He has carried out different individual exhibitions such as "20vingut" (etHALL project space, 2020), "INTEGRAL" (La Capella, 2019), "Wifi Leaves" (Rad'Art, 2017) and "Neo-Groupie" (Galería SiS, 2015). Among his collective showings, the ones that stood out the most are "Appearances" (Upstream Gallery, 2020), "Tots els llocs parlen de tu" (Sala d'art jove, 2018), "Puertas Abiertas BilbaoArte" (Fundación BilbaoArte, 2017), "Sistemas de (auto)referencia" (etHALL, 2017), "Enésima Intempestiva" (Galeria àngels barcelona, 2016) and "La gran il·lusió" (Sala d'art jove, 2015). Since 2018, he owns the Instagram account "@boombboring", a collection of witty and fun videos from different users. Since 2019, he manages an alternative comedy event called "Cabaret Internet", that consists of five sessions that take place in different Barcelona venues (Abaixadors10, Sala VOL and El Pumarejo).
He has carried out different projects in different residences, such as La Infinita (l'Hospitalet, 2020), Fundación Rad'Art (Italy, 2017) and Fundación BilbaoArte (Bilbao, 2017). He is currently living and working in Barcelona.
TOUCHE PAS À MON JARDIN · Gerard Borràs
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Leí una pintada en un muro de un parque público de Tánger: “Touche pas à mon jardin”. Recordé los parques y jardines que había fotografiado en mis últimos viajes. Recordé la película que había rodado en el jardín botánico de Quito y me pregunté: ¿a quién pertenecen esos jardines?, ¿qué es lo mío?, ¿qué sí puedo tocar? “Touche pas à mon jardin” parte de la idea de crear un jardín a partir de mis archivos fotográficos. El paisaje de imágenes ironiza con la actitud colonial de coleccionar. Recupera lo artificioso de los jardines fotografiados substituyendo el símbolo de poder de entonces, los especímenes botánicos de tierras lejanas, por la imagen fotográfica y su poder vigente. La exposición propone un lugar que por si mismo no es, como un jardín botánico solo es en referencia a eso suyo, mío y tuyo, eso que no se puede tocar. |
Gerard Borràs (Barcelona, 1997) se gradúa en Cinematografía en 2019, en la especialidad de Documental, gracias al programa de becas
de la Escuela de Cine y Audiovisuales de Catalunya. En Septiembre de ese mismo año disfruta de una residencia de la escuela Incine (Quito, Ecuador) dónde realiza su primera película “Mitad del mundo” concebida alrededor del jardín botánico y su relación con la selva de Mindo. En 2020 comienza
el máster de montaje audiovisual en ESCAC.
Sus intereses se centran en explorar paisajes a través de la fotografía y el cine para entender y definir las estructuras de una geografía y traducir
el mapa de las relaciones hipertextuales que comprenden estos paisajes.
...
I remember reading a writing on the wall in a public park in Tangier: “Touche pas à mon jardin”. It made me think of the parks and gardens
I had photographed on my last trips and the film I had shot in the botanical garden of Quito. Then I asked myself: to whom do these gardens belong? What things can I find there for myself? What things am I allowed to really touch?
"Touche pas à mon jardin" begins with the idea of creating a garden from my photographic archives. The landscape of images becomes ironic
with the colonial attitude of collecting everything. It comes back to the artificiality of the photographed gardens by substituting the symbol
of power of that time, the botanical specimens from distant lands with the photographic image and its current power.
The exhibition is created lika a place that it is not a three dimensional space by itself. Instead artist focused on showing the reference
to the elements of a botanical garden which are both, mine and yours things and which cannot be touched.
Gerard Borràs (Barcelona, 1997) graduated in Cinematography in 2019 with the Documentary specialization thanks to ESCAC's scholarship program.
In September of that same year he joined a residence at the Incine school (Quito, Ecuador) where he made his first film “Middle of the world” conceived around the botanical garden and its relationship with the Mindo jungle. In 2020 he began a master's degree in film edition at ESCAC.
His interests focus on exploring landscapes through photography and film to understand and define the structures of a geographical topography
and translate the map of hypertext relationships in which these landscapes are involved.
de la Escuela de Cine y Audiovisuales de Catalunya. En Septiembre de ese mismo año disfruta de una residencia de la escuela Incine (Quito, Ecuador) dónde realiza su primera película “Mitad del mundo” concebida alrededor del jardín botánico y su relación con la selva de Mindo. En 2020 comienza
el máster de montaje audiovisual en ESCAC.
Sus intereses se centran en explorar paisajes a través de la fotografía y el cine para entender y definir las estructuras de una geografía y traducir
el mapa de las relaciones hipertextuales que comprenden estos paisajes.
...
I remember reading a writing on the wall in a public park in Tangier: “Touche pas à mon jardin”. It made me think of the parks and gardens
I had photographed on my last trips and the film I had shot in the botanical garden of Quito. Then I asked myself: to whom do these gardens belong? What things can I find there for myself? What things am I allowed to really touch?
"Touche pas à mon jardin" begins with the idea of creating a garden from my photographic archives. The landscape of images becomes ironic
with the colonial attitude of collecting everything. It comes back to the artificiality of the photographed gardens by substituting the symbol
of power of that time, the botanical specimens from distant lands with the photographic image and its current power.
The exhibition is created lika a place that it is not a three dimensional space by itself. Instead artist focused on showing the reference
to the elements of a botanical garden which are both, mine and yours things and which cannot be touched.
Gerard Borràs (Barcelona, 1997) graduated in Cinematography in 2019 with the Documentary specialization thanks to ESCAC's scholarship program.
In September of that same year he joined a residence at the Incine school (Quito, Ecuador) where he made his first film “Middle of the world” conceived around the botanical garden and its relationship with the Mindo jungle. In 2020 he began a master's degree in film edition at ESCAC.
His interests focus on exploring landscapes through photography and film to understand and define the structures of a geographical topography
and translate the map of hypertext relationships in which these landscapes are involved.
FUERA DE LUGAR. CAMINAR POR UN SUELO INESTABLE · Una instalación de Violeta Mayoral y Arnau Sala Saez
Artículo de Joaquín Jesús Sánchez en aDesk AQUÍ
ART NOU · ROAMING 02 · Zigor Azkargorta, Juan Serlo, Vilma Bravo, Carol Rodríguez Colás, Paola Becerra
Zigor Azkargorta
Juan Serlo
Vilma Bravo Amuedo
Carol Rodríguez Colás
Carol Rodríguez Colás
Paola Becerra
ART NOU · ROAMING 01 · Marina R.Colás, Katharina Hetzeneder, Jan Monclús.
Marina R. Colás
Katherina Hetzeneder
Jan Monclús